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Elmar Hess (DE)

Ausstellung: 05.11.2016 – 22.11.2016
Adresse: WHITECONCEPTS . Auguststrasse 35 . 10119 Berlin
Öffnungszeiten: Mo – Fr 10 – 17 Uhr und nach Vereinbarung

Mit seiner fiktionalen Bilderwelt liefert der deutsche Künstler Elmar Hess einen unverwechselbaren Beitrag zur Entwicklung des filmischen Mediums in der Bildenden Kunst. Durch die Kombination von Found Footage und Reenactments sucht er die klassische Funktionsweise des Films aufzuheben. Sein Werk umfasst Film- und Videoarbeiten sowie multimediale Installationen, die aus der Inszenierung thematisch ineinander greifender Räume bestehen. Sie verleihen den Arbeiten eine Kapitelstruktur, die dem dramaturgischen Ablauf eines Films vergleichbar ist.

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen Videos, Fotografien und Artefakte aus Hess’ Installation „La Mère perdue“. Ausgangspunkt der Arbeit ist ein historisches Ereignis: 1962 wurde das Bildnis der „Mona Lisa“ zu einer Ausstellung in die USA gebracht – an Bord des Ozeanriesen “France“. In Hess’ Installation wird das Ereignis in Bezug gesetzt zu einem autobiografischen Erlebnis des Künstlers, einer Begegnung mit der „France“, Jahrzehnte später. Die persönliche Bedeutung des prägenden Augenblicks wird in der Arbeit dem kulturellen Allgemeinwert der Mona Lisa gegenübergestellt und thematisiert, inwieweit Wertevorstellungen und kulturelle Bedeutung objektivierbar sind.

Neben „La Mère perdue“ gibt die Ausstellung „Previous“ Einblicke in Hess neueste Arbeit „Einen Frieden später“, die erstmals Mitte 2016 in der Kunsthalle Rostock zu sehen war, sowie in sein Debüt “Kriegsjahre” von 1996.

Elmar Hess (*1966) lebt und arbeitet in Berlin und Hamburg. Er war vertreten in den Ausstellungen „Man Son 1969 – Vom Schrecken der Situation“ (Hamburger Kunsthalle/ Villa Merkel, Esslingen), sowie „German Open“ (Kunstmuseum Wolfsburg), „Surfing Systems“ (Kunstverein Kassel), „Lost Paradise“ (Kunstraum Wien–Museumsquartier), „La Mère perdue”, (Europäisches Kunstforum, Berlin) u.v.a. Er war Stipendiat der Villa Massimo in Rom und des Deutschen Kunstfonds. Seine filmischen Arbeiten wurden europaweit gezeigt u.a. auf dem Filmfest Moskau, den Filmfestspielen in Oberhausen und dem Dokumentarfilm-Festival in Cannes.

Wir danken GIGANT Printworks für die freundliche Unterstützung bei der Realisierung der Ausstellung:

Künstlerinformation und Werkübersicht

Embodiments

Ausstellung: 01.08.2016 – 07.08.2016
Adresse: WHITECONCEPTS | August­straße 35 | 10119 Berlin | www.whiteconcepts.de
Öffnungszeiten: Mo – So 15:00 – 19:00 und nach Vereinbarung

Die Ausstellung Embodiments ist inspiriert durch die Diskussion über die Verkörperung, die Rolle des Körpers in der Kognition: der Idee der Verkörperung zufolge sind denken und wahrnehmen abhängig von körperlichen Interaktionen mit der Welt. In dieser Ausstellung wird das gängige Ausstellungsformat erweitert durch Vorträge zur Ästhetik und psychologische Studien und Experimente.

Gezeigt werden Skulpturen, Zeichnungen, Performances sowie multimediale Kunstwerke, die die Idee der Verkörperung und den Körper selbst herausfordern, indem sie das Verständnis des menschlichen Körpers hinterfragen bzw. den Körper neu definieren. Die Ausstellung bringt Kunst, Philosophie und Kognitionswissenschaft zusammen, wobei exemplarisch acht internationale Künstler ihre Arbeiten vorstellen, die durch eine Konferenz mit Vorträgen von Studenten der Philosophie, Psychologie und Kunstgeschichte ergänzt wird. Darüberhinaus gibt es Möglichkeiten für die Besucher an psychologischen Studien teilzunehmen, wobei z.B. ihre ästhetischen Erfahrungen gemessen werden.

Künstler:
Fernanda Antola (Berlin, Brazilien). Ihre Arbeiten fokussieren die Probleme des modernen Lebens, mit Schwerpunkt der Erkundung auf Medien sowie der Erforschung der Grenzen zwischen Körper und Technologie.

Rachel Bernstein (New York). Sie sucht die Herausforderung neu zu definieren, was schön oder grotesk ist, was natürlich oder unnatürlich ist. Rachel kreiert Bilder von menschlichen Körperteilen, tierischen Innereien, Insekten und andere Lebewesen zu kombinatorischen Formen, die sowohl beunruhigend wie auch verlockend sind.

Valentina Berthelon (Berlin, Chile, Mexiko). Ihre Arbeiten beschäftigen sich mit der Kreuzung von Bildender Kunst, Musik, Wissenschaft und Technologie. Beeinflusst durch die  Wissenschaft nutzt Valentina deren Konzepte und ästhetische Elemente um audio-visuelle Installationen zu schaffen, die verschiedenen Kräfte der Natur in Beziehung zum menschlichen Körper und dessen Wahrnehmung zu hervorrufen.

Gina Eickers (Berlin). Gina Eickers erforscht die Möglichkeiten von Körpern, durch Reduktion neue Bauformen, – gruppen und -funktionen zu entwickeln. Dabei untersucht sie die Geometrie des Körpers, aber in einer Weise, die sich bewusst gegen die normalerweise kühlwirkende, geometrische Abstraktion richtet.

Julia Elsas (New York). Die Mixed-Media-Künstlerin interessiert sich seit langem für die Körpersprache, im Besonderen für die peinliche, geladene Spannung, die durch Isolierung von kleinen Gesten hervorgerufen wird, wenn wir miteinander in Wechselwirkung treten. Aspekte dieser Spannung erforscht sie mit den Medien der Stickerei, Druckgrafik Collage, Skulptur, Installation und Performance.

Muriel Gallardo (Berlin, Chile). Ihre Arbeiten drücken die permanente Entdeckung des Raumes durch Körpererfahrung aus. Sie hebt dabei die Instabilität und die zusammengesetzte Funktionen des Raumes durch die Verwendung von unterschiedlichen Materialien und Techniken hervor.

Katarina Riesing (New York). Die Mixed-Media-Künstlerin untersucht den Körper auf verschiedene Weise. Ihre jüngsten Seidenmalereien stellen sowohl verschiedene Teile der menschlichen Anatomie als auch Zwischenräume und Geräte dar, die Körper enthalten und begrenzen, wie z.B. Folterinstrumente.

Veronika Witte (Berlin). Die Ausgangsbasis für Veronikas Videoarbeiten, Installationen und partizipative Kunstprojekte sind Recherchen der öffentlichen Wahrnehmung. Im Fokus ihrer Auseinandersetzung stehen  Identität, Subjektkonstituierung und Zukunftsperspektiven zum menschlichen Körper, den zu erwartenden sozialen Entwicklungen und auch die Zukunft des Menschlichen generell.

PROGRAMM:
01.08.2016 – 07.08.2016 Ausstellung und interaktive Experimente
06.08.2016, 14:00 – 16:00 Vorträge, 16:00 – 18:00 Gesprächsrunde mit teilnehmenden Künstlern

Vorträge:
Elena Agudio (Künstlerische Leiterin, AoN_a, Plattform für Neurowissenschaften und Kunst; Humboldt Universität, Berlin)
„The artifactual body – Neuroaesthetics and its limits“ – Joerg Fingerhut (Einstein Postdoctoral Fellow; Humboldt Universität, School of Mind and Brain, Berlin)
„Embodiment, Emotion, Empathy, and Art“ – Jesse Prinz (City University of New York; Einstein Foundation Fellow, Humboldt Universität, Berlin)

Mit freundlicher Unterstützung von Berlin School of Mind and Brain, Humboldt-Universität zu Berlin, Einstein Stiftung Berlin

Weitere Informationen unter: www.artandembodiment.com

THE UNIVERSE IN ALL WE TOUCH

Ausstellung: 11. – 28. Juli 2016
Eröffnung: Dienstag, 13. Juli, 18 Uhr
Adresse: WHITECONCEPTS | August­straße 35 | 10119 Berlin | www.whiteconcepts.de
Öffnungszeiten: Mo – Fr 11 – 17 Uhr und nach Vereinbarung

Greg Murr is fascinated by the outer reaches and the minutiae of the physical world, things so extremely beyond the reference of human scale, that if it weren’t for the sciences, we would be left uncomprehending. In something as seemingly facile as a peony bloom, he finds suggestions of radial motion, radial symmetry, compression and expansion, levity versus mass, corporeality versus immateriality―characteristics reminiscent of so many properties pertaining to both cosmological phenomena and quantum physics. Understanding little, one can nevertheless marvel at the wonders of tangible phenomena, where a simple blossom—and all else that exists—transcends taxonomy as its constituent atoms are traced back nearly 13.8 billion years to the beginning of our space-time universe.

The easily accessible subject matter of blossoms, superimposed or otherwise re-orchestrated, here addresses such cosmological phenomena as dark matter/ dark energy that fills what was formerly perceived as empty space, gravitational lensing caused by galactic superclusters, and the cosmic microwave background radiation that speaks to the geometry of the universe. These pictures are meant to address the observable world outside the threshold of our everyday awareness with the hope that an expanded perspective will ultimately enable us a more humbled, if collective, view of our humanity.

Greg Murr is a visual artist concentrating in drawing, painting and print media. Responding to local phenomena, he looks at discrete systems that make up our surroundings and how their structures shape our perceptions, ideas, and behavior. Murr’s work has appeared in exhibitions at the Austin Museum of Art (2011), the Arkansas Art Center (2008) and the Whitney Museum of American Art (2005). He has twice served as a Visiting Artist/ Instructor at the Scuola Internazionale di Grafica in Venice, and has been a Resident Fellow at the MacDowell Colony, the Robert M. MacNamara Foundation and the Morris Graves Foundation. His work is in permanent collections that include the Philadelphia Museum of Art, the Sheldon Museum of Art, the Museum of Fine Arts in Santa Fe and the Whitney Museum of American Art. Tamarind Institute and Flatbed Press have published editions of his work. Murr received a Master of Fine Arts degree from the University of New Mexico (1997) and a Bachelor of Arts degree from Wake Forest University (1993).

Künst­ler­in­for­ma­tion und Werkübersicht

POWER

Ausstellung Teil 1: 03.06.2016 – 30.06.2016
Ausstellung Teil 2: 10.08.2016 – 24.08.2016
Adresse: WHITECONCEPTS | August­straße 35 | 10119 Berlin | www.whiteconcepts.de
Öffnungszeiten: Mo – Fr 11 – 17 Uhr und nach Vereinbarung

Die Ausstellung zeigt Arbeiten aus der Serie „Power“, in welcher der Künstler seine Auseinandersetzung mit dem Thema Selbstähnlichkeit, Komplexität und Zeit fortführt.
Die Arbeiten entstanden zwischen 2013 und 2015 rund um den Globus.
Mit dem Beginn des Industriezeitalters begannen meist privatfinanzierte Wolkenkratzer, die bis dahin Herrschern oder religiösen Institutionen vorbehaltenen Monumentalbauten abzulösen.
Andreas Wengel geht mit seiner Arbeit, losgelöst von einer reinen Betrachtung der Architektur, der Frage nach der subjektiven Wirkung monumentaler Bauten auf den Grund. Stürzende Linien und extreme Perspektiven verstärken die monumentale Wirkung der Bauwerke und werden zum Stilmittel. Ort und Zeit werden durch die Komposition aufgehoben, die Dimensionen verschwimmen. Die Verwendung hybrider Techniken lassen den Betrachter über Realität und Künstlichkeit im Ungewissen. Es geht dabei nicht um Realität, vielmehr um die Darstellung einer isolierten Wirklichkeit, welche nur durch die Fotografie wahrnehmbar wird. Wiederkehrende Formen und Materialien, die Abwesenheit von Menschen erzeugen einen geheimnisvollen, anonymen Eindruck- der Zweck, verborgen hinter Glas. Die Gebäude wirken wie Monumente der Macht – unzugänglich, uneinnehmbar, steril. Der düstere Himmel unterstreicht diese Wirkung. Die reduzierte Bildsprache, sowie die Gegenüberstellung erlauben eine konzentrierte Auseinandersetzung im Groben wie auch im Detail und bilden ein stählernes Portrait unserer Zeit.

Künstlerinformation und verfügbare Arbeiten

Ar(t)izona (detail)

Der Sturz (detail)

Ehe (deteil)

Tango & Termiten (detail)

Tango & Termiten (detail)

PEN IN SPACE

Ausstellung: 12. – 31. Mai 2016
Eröffnung: Donnerstag, 12. Mai, 18 Uhr
Adresse: WHITECONCEPTS | August­straße 35 | 10119 Berlin | www.whiteconcepts.de
Öffnungszeiten: Mo – Fr 11 – 17 Uhr und nach Vereinbarung

Mit der Ausstellung PEN IN SPACE zeigt die Galerie WHITECONCEPTS das aktuelle zeichnerische Werk des Künstlers Michael Stalherm. Über 30 Werke auf Papier geben Einblick in seine surreale Bilderwelt und die vielseitige Anwendung von Bleistifttechniken der letzten sechs Jahre.

Der Künstler beschreibt die Auseinandersetzung mit dem Bleistift folgendermaßen: „Schon als Kind habe ich Puppenkleider genäht. Im Schneideratelier meiner Mutter, die ein Modegeschäft führte, lernte ich zuerst mit der Hand zu nähen und anschließend den Umgang mit Nähmaschinen. Besonders die Technik des Steppens faszinierte mich, wie sich mit hoher Geschwindigkeit Faden an Faden legte. Manche Zeichenvorgänge sind ähnlich, besonders beim Schraffieren. Die sorgfältig gespitzten, langen Bleistiftminen erinnern mich an Nähnadeln. Man kann sich auch eine Fadenspule, aufgewickelt mit der potentiellen Zeichnung am Ende des Stifts denken. Der fiktive Faden wird durch den zeichnerischen Vorgang nach und nach abgespult. Er verwandelt sich in einen Strich und wird zur Linie. So gesehen sind Zeichnungen zusammengenähte Gedanken und gesteppte Intuitionen aus einer Zwischenwelt.“

Michael Stalherm studierte von 1971 – 1974 Kunst und Design an der Hochschule für Gestaltung und Kunstgeschichte an der Universität in Basel. Er erhielt 1971 ein Ausbildungsstipendium der Stadt Basel und von 1978 – 1980 ein Stipendium des Kultusministerium von Nordrhein-Westfalen an der Cité Internationale des Artes in Paris. Seit 1989 lebt und arbeitet der Künstler in Berlin.
Michael Stalherms Werk wurde in zahlreichen Ausstellungen in der Schweiz, den USA, Deutschland, Italien, Frankreich und Monaco gezeigt. Seine Arbeiten befinden sich in vielen Privatsammlungen im In- und Ausland.

Künstlerinformation und verfügbare Arbeiten

Monster face by Luis Guizado aka Guizo (Peru)

The Little Spaceboy by Baillairgé (Canada)

The 12th Disciple of the Sacred heart by Garry Buckley (New Zealand)

MONSTRODAMUS

Ausstellung: 4. – 8. Mai 2016
Eröffnung: Mittwoch, 4. Mai, 17 Uhr
MONSTRODAMUS – Einladung zur Weltpremiere der ersten Ausstellung des internationalen Künstler-Kollektivs „WE DANCE LIKE MONSTERS“,
in Zusammenarbeit mit dem Pictoplasma Festival
Adresse: WHITECONCEPTS | August­straße 35 | 10119 Berlin | www.whiteconcepts.de
Öffnungszeiten: Mi – So, 11 – 20 Uhr und nach Vereinbarung

We Dance Like Monsters (WDLM) präsentiert „Monstrodamus“ – eine internationale Gruppenausstellung zur Erforschung der Beziehung zwischen Monstern und Menschen in der WHITECONCEPTS Galerie, Berlin.
Ungeheuer gibt es überall auf der Welt. Allerdings sind sie auf unterschiedlichste Art in unsere
globale Kultur eingebunden. Sie bewohnen das Universum und die Weiten der menschlichen Phantasie in einer Vielzahl von Formen. Die Zusammenstellung zeigt eine internationale Perspektive auf das Thema Monster – sowohl humorvoll als auch furchterregend.
Die WDLM-Künstler kombinieren mit ihren Monstern einen Mix aus aktuellen Themen und Charakter-Design, welcher den Kern ihrer Arbeiten ausmacht. Sie spielen mit der Idee, dass einige Monster von Natur aus böse sind. Andere bilden Indikatoren für ein Ungleichgewicht innerhalb der natürlichen Ordnung unserer Umwelt oder sind ein Signal der Zwietracht innerhalb unserer sozialen und kulturellen Überzeugungen. Aus Neuseeland wird ein Avatar für den menschlichen Eingriff in die Natur zu sehen sein. Die Künstler aus Thailand und Australien stellen Identität und Weiblichkeit in Frage. Soziale Einstellungen und Verhalten offenbaren sich in Comics und Erzählkunst aus Finnland.
Mythologische und metaphorische Bedeutung zeichnen sich durch unterschiedlich Motive ab: Amulette aus Bolivien wurden zur Abwehr gegen das Böse gefertigt, während peruanische Masken monströse Gesichter tragen. Von Engeln, welche die Menschheit mit der mythischen Unterwelt verbinden und Wahrsagern, die die Zukunft voraussagen: Diese Ausstellung zeigt eine vibrierende Mischung von Ungeheuer aus Skulpturen, Automaten, Illustrationen, Malerei, Druck und Mode, in traditionellen und modernen Formen.
We Dance Like Monsters (WDLM) ist eine internationale Gruppe von 27 talentierten Illustratoren,
Designern, Bildhauern und Provokateuren aus mehr als 20 Ländern Während des kreativen Chaos bei der Pictoplasma Academy in 2014 lernten sie sich kennen und gründeten im Anschluss ein globales Kollektiv, um mit ihren kreativen Monstern die Welt zu erobern.

Teilnehmende Künstler:
Baillairgé (Canada)
Luis Benzaquen AKA Guizo (Peru)
Garry Buckley (New Zealand)
Irene Feleo (Australia)
Thea Harksen (Germany)
Sernur Isik (Turkey)
Yasmin May Jaafar (Finland)
Gerome Jean (Belgium)
Adisak Jirasakkasem (Thailand)
Kukka Kiuru (Finland)
Conall Leite (Ireland)
Tanya Marriott (New Zealand)
Alvaro Martinez (Bolivia)
Michel Martins (Netherlands)
Christian Michel (Mexico)
Ikumi Nakaya (Japan)
Yumi Oh (South Korea)
Jasmine Parker (UK)
Adolf Rodriguez (Spain)
Karen Anna Solberg Sandholm AKA Angry Duck (Norway)
T-Wei (New Zealand)